TOP 20 películas vistas en el 2016

A diferencia de la lista de los libros leídos durante el año pasado, en esta lista no agruparé la totalidad de las películas que vi durante el 2016. Por un lado, habré visto más de cuarenta películas y la mayoría de ellas no me parecen relevantes ni me comunicaron ninguna idea o sensación; además de aburrimiento… o rabia por sentirme timado al pagar por algunas de ellas. Pero no quisiera extender la presente lista con películas idiotas o soporíferas. ¿Para qué hablar de la mierda que llena la cartelera de Cinépolis (y que en ocasiones llega incluso a colarse, para mi disgusto, en la mismísima Cineteca Nacional)? Varias veces me vi completa alguna de esas porquerías, con un título prometedor y que a los primeros minutos se descubre como una estafa. Una de esas películas me pareció tan estúpida que incluso escribí una entrada sobre ella.

En general es una buena regla estimar que todo lo que ocupa la cartelera de cinépolis es basura. Desgraciadamente, siempre hay un par de excepciones que hacen titubear mi decisión anual de no visitar nunca más esas cloacas.

En esta lista sólo coloco aquellas películas que nunca había visto completas antes del 2016. De la misma manera, esto es un top 20, de modo que están ordenadas de acuerdo a mi gusto, de mediocre a brillante.

Otra cosa. De la misma manera que hice con mi top 10 de mis películas preferidas, no hago aquí distinciones especiales entre el cine comercial y el llamado “cine de arte”. No soy crítico de arte ni pretendo serlo y las distinciones que pudieran haber entre ambos géneros escapan a mi entendimiento (más allá del hecho de que admito que el cine comercial suele depender de una retahíla de tópicos y clichés). Así que en una misma lista incluyo ambas clases de películas. El lugar de cada cinta depende únicamente de la medida en que fue de mi agrado, ignorando completamente toda clase de credenciales que pudiera tener la película para pertenecer a determinado gremio.

Pues bien, comencemos:


20- Pale Rider

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Año: 1985

País: Estados Unidos

Director: Clint Eastwood (Así es. Él mismo)

Un western que no me despertó demasiado interés. Una trama que no está dispuesta a llegar a ninguna consecuencia en particular ni a arriesgar a ninguno de sus personajes principales. No es éste el salvaje oeste sin ley de los spaguetti westerns, en donde la venganza, la expiación o la revolución son los temas principales. Se trata más bien de la típica historia del empresario malévolo interesado en el territorio de una pequeña comunidad que, para su fortuna, tiene de su lado a un justiciero. Historia trillada como pocas. No entiendo cómo hay quienes dicen que esta película de 1985 (¡año relevante en muchos otros aspectos!) revitalizó a los westerns. Sólo he visto dos westerns interesantes que han aparecido desde entonces (escribo esto en enero del 2017). Una es Dead Man de 1995. La otra es el remake de True Grip del 2010. Ambas son películas sumamente diferentes a Pale Rider y de ninguna manera las consideraría influenciadas por ella. De manera que no sé de qué hablan los críticos al encumbrar a esta cinta (críticos del Rotten Tomatoes, así que realmente no hablo de ninguna autoridad aquí).


19- Dune

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Año: 1984

País: Estados Unidos

Director: David Lynch

Desde hace muchos años quería ver esta película. Imaginaba una historia épica de imperios espaciales enfrentándose por el control de un territorio desértico que esconde secretos invaluables. Algo parecido a lo que sucede en una serie anime que estoy viendo últimamente (Armored trooper votoms). Pero esta película fue una verdadera decepción. La mayoría de las escenas se notan tan abruptas y tan implacablemente censuradas que al final lo único que nos queda es un remedo mal hilado. Con todo, tengo cierta impresión de que pudo haber sido una gran cinta de fantasía e intriga espacial. La vestimenta de los personajes, la excentricidad de los Harkonnen (uno de los bandos en conflicto de esta historia) y la manera en que se nos presenta ese desierto tan inmenso, son todos elementos muy evocadores. De modo que ésta es una de esas películas que tienen un extraño impulso que nos lleva a interesarnos en el mundo del que hablan. Lo suficiente como para animarnos a buscar la novela escrita o jugar al videojuego (como nota aparte he de decir que el apartado musical del juego es tremendamente bueno).


18- Ringu

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Año: 1998

País: Japón

Director: Hideo Nakata

La escena a la que se refiere el tema que he puesto arriba es sensacional y verdaderamente causa escalofríos por un instante. Nakata se esforzó por intentar simular el encontrarnos ante una imagen que genuinamente escapa a nuestra comprensión. El hecho de que la película sea hecha con poco presupuesto ayuda también a esa ilusión; el granulado grueso y los colores barridos le dan cierta sensación de autenticidad a la escena: como si efectivamente nos encontráramos viendo algo prohibido y desconocido. Sin embargo, luego del momento al que me refiero, la cinta va perdiendo progresivamente todo su poder para sugestionarnos. Creo que las películas de fantasmas o de terror operan siguiendo las mismas reglas del cuento. Según Cortazar, los cuentos deben ganar al espectador por knock out. De la misma manera, esta clase de películas deben ser breves; evitar ofrecer demasiadas aclaraciones de los acontecimientos que tienen lugar en ellas, ir directo a la sorpresa que proponen y de ahí a la conclusión. Ringu, por el contrario, es muy larga y tediosamente minuciosa a la hora de ofrecer explicaciones. El final, por su parte, hubiera sido fantástico si lo hubiera visto siendo un niño. Pero, en estos días, luego de innumerables parodias y referencias en todos lados, resulta de lo más inocuo.


17- Últimos días de la víctima

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Año: 1982

País: Argentina

Director: Adolfo Aristarain

Thriller aparentemente común y corriente, incluso considerando que la trama se desenvuelve desde el punto de vista del asesino. Están presentes todos los elementos típicos del género: espionaje, armas, acecho, suburbios, prostitutas, drogas…tópicos tan habituales que probablemente por eso decía Borges que la novela policiaca es un género que, después de leerse un rato, se vuelve “fácilmente mecánico”. Sin embargo, ésta es una de esas películas que, por significativos instantes, rebasa su primera apariencia para intentar decir algo más. En este caso, hablar de lo absurdamente sangrienta que era la dictadura argentina conocida con el orwelliano nombre de Proceso de Reorganización Nacional. De manera que, apenas manifestándose detrás del argumento policiaco usual, se exhibe al espectador la verdadera naturaleza del régimen argentino: un poder demente y suicida que, en su afán por obedecer a sus asesores norteamericanos, no teme deshacerse de nadie, ni siquiera de sus propios brazos ejecutores.

Hay que añadir que esta película apareció en 1982, año en que la dictadura llevó a cabo la estúpida ocupación de Las Malvinas. De manera que aun cuando su verdadero mensaje estuviera oculto entre las líneas de un thriller mediocre, el haber filmado esta cinta, durante los mismos años en que los argentinos se encontraban bajo las garras de un gobierno trastornado, representa una hazaña valiente y extraordinaria.


16- Jingi naki tatakai (Batallas sin honor ni humanidad)

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Año: 1973-1974

País: Japón

Director: Kinji Fukasaku

Ésta se trata de una serie de cinco películas que, extrañamente, me vi completas. Es decir, ya la primera película parecía anticipar que se trataba de un trabajo bastante mediocre y, aun así, continúe viéndolas hasta terminar la serie completa. Aunque, pensándolo bien, lo que me llevó a emplear tantas horas en estos filmes era la esperanza de que, por una inesperada fortuna, alguna de ellas se acercara a mi ideal soñado de lo que debería ser una gran película de yakuzas. Ésa es una ilusión que he tenido desde hace mucho tiempo y, hasta la fecha, no he encontrado ninguna que me haya satisfecho. Alguna que sea semejante a lo que Coppola consiguió con El padrino.

Cada una de estas películas es similar a la anterior hasta el grado del deja vu. Todos los personajes aparecen casi inadvertidamente en la historia y son miles. El espectador pronto se encuentra ahogado en esa marea de nombres. A cada rato ocurren asesinatos pero no nos podría importar menos el destino de esos sujetos prácticamente anónimos. E inmediatamente, como la hidra, por cada yakuza que muere surgen otros dos. Su presentación implica nuevos nombres que tenemos que aprender y asociar a alguna de las familias involucradas en el conflicto. ¡Y qué ridículos son esos asesinatos! Muy lejos están estas películas del dramatismo ominoso de El padrino. ¿Así de cómico grita un yakuza que está a punto de ser traicionado? ¿Tantas balas puede soportar el cuerpo de un ser humano antes de morir?

Lo único que rescataría de estas películas sería el tema musical principal (que me recuerda mucho a uno utilizado en aquel sensacional videojuego erótico, Three sisters story) y la escena con la que finalizan estas cintas, que siempre es la misma en todas: una toma de la cúpula Genbaku y del parque memorial de Hiroshima, ciudad en la que transcurre la historia.


15- Ixcanul (Volcán)

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Año: 2015

País: Guatemala

Director: Jayro Bustamante

Esta película aspira retratar el mundo mágico en el que habitan los miembros de la etnia kakchiquel, descendientes actuales de los mayas que poblaron la región central de la actual Guatemala. El propósito del filme es exhibir cómo la realidad cotidiana de esos indígenas está dotada de valores muy peculiares; bastante ajenos a nuestros prosaicos y desencantados valores occidentales. Por ejemplo, se hace una asociación entre el volcán, que involucra una fuerza destructora que inspira sumisión, con el vientre de la mujer embarazada, como origen de la vida. De manera que ambas entidades son consideradas como poseyendo, al mismo tiempo, ambas potencias. Esto motiva entre los kakchiquel un sentimiento de reverencia muy característica. Consideraciones similares se hacen de otros símbolos vivos que pueblan el escenario de la película. Tales detalles son revelados, poco a poco y en el idioma kakchiquel, por los propios personajes de la cinta. De modo que ver la película nos da una sensación de viaje en toda regla.

Aunque he de agregar que, mientras veía la película, me encontraba un poco cansado y en compañía de una persona que me contagiaba un poco de su aburrimiento. Así que no creo haber disfrutado del filme tanto como quisiera. Quizá si la viera nuevamente colocaría a esta película en un mejor lugar de este top 20 (sobre todo considerando lo parecida que es esta película en relación a otras que aparecerán en la lista más adelante).


14- McCabe & Mrs. Miller

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Año: 1971

País: Estados Unidos

Director: Robert Altman

Se trata de un western que, desde el primer momento, adopta un tono de quietud y melancolía. Y ese ritmo pausado se mantiene de manera estricta a lo largo de todo el filme, como si no estuviéramos hablando aquí del salvaje oeste sino de una tierra llena de hombres taciturnos que mansamente se enfilan al progreso. Ocasionalmente suena la voz de Leonard Cohen entonando alguna canción que nos recuerda el tranquilo estado de cosas en el que nos encontramos (tengo que agregar que, en el momento en el que vi la película, no sabía nada ese sujeto. Hace tan sólo un par de meses una amiga me comentó que Cohen se trataba de un cantante muy famoso).

¡Qué diferente es el Oeste pensado por los propios gringos! Para mí, el Oeste es el que imaginaba Sergio Leone o Sergio Corbucci: una tierra tensa, silenciosa pero expectante de escuchar en cualquier momento el sonido atronador de un revolver. Aquel Viejo Oeste era un desierto inagotable, salpicado de montañas secas, pequeños manojos de hierba y uno que otro poblado polvoriento de pocas hileras de casas. En contraste, este Viejo Oeste imaginado por los cineastas estadounidenses suele ubicarse en zonas frías y boscosas. El escenario no es un árido desierto sino que se encuentra sembrado de pinos nevados. El agua no escasea ni los recursos mineros para explotar. En las diferentes escenas puede identificarse fácilmente cómo la ley y el avance occidental empiezan a imponerse en la región. ¡Nieve en una película de vaqueros! Ya no nos resulta un escenario tan extraño pues, habiendo desaparecido los spaghetti westerns hacia mediados de los 70, todos los westerns estadounidenses desde entonces parecen haberse esforzado por eliminar aquella vieja imagen de la vida salvaje del desierto.

Regresando a la película que aquí me interesa, McCabe & Mrs. Miller tiene un ritmo muy apacible. Pareciera desear no exhibir nunca un estado de alarma o de preocupación. En un momento determinado aparecen forajidos y asesinos (dudaría en llamar a esta cinta como western si ellos no se hubieran presentado), pero incluso entonces la película continúa, impávidamente, con su estilo de narración. La voz de Cohen me parece buena para esas noches de insomnio, en las que deseo calmar mis nervios y ceder a un sueño irresistible.


13- Across 110 street

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Año: 1972

País: Estados Unidos

Director: Barry Shear

Desde que vi The Warriors siendo un adolescente, me he sentido fascinado por el entorno suburbano de la Nueva York de los 70. El metro sucio y lleno de graffitti, los edificios altos y oscuros por el smog, todos dotados de escaleras contra incendios, el vapor saliendo de las alcantarillas. Hay algo que me atrae en lo violento que me parece ese escenario. Quizá es sólo la sensación de contraste de sentir un reducto de brutalidad selvática y misteriosa en el interior de lo que cabría considerar como el ambiente civilizado y racional de una ciudad. Otro elemento característico de las películas de Nueva York de esa época es el antagonismo que se da entre los negros y los blancos; dos tribus que se detestan a muerte a pesar de que habiten en el mismo lugar.

Y este filme es típico en el sentido de que incluye todos los elementos mencionados. Me pareció una buena película, si bien no creo que haya agregado nada a la fórmula ya establecida: tenemos una mafia blanca que pretende hacer una demostración de fuerza en los barrios que están bajo el control de una debilitada mafia negra. Claramente la mafia negra está en desventaja puesto que la mayoría de sus miembros son adictos, lo que no ocurre entre los italianos que cumplen la función de proveedores y no la de consumidores. En el medio del conflicto se encuentra un policía (blanco, claro) y su asistente (negro, obviamente) y ambos intentan servir como mediadores en esa situación. En fin, ¡que se trata de la historia de Nueva York de siempre que a todos nos gusta revisitar de vez en cuando!


12- Hrútar (Carneros)

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Año: 2015

País: Islandia

Director: Grímur Hákonarson

La historia de esta película está ubicada en Islandia, país cuyo escenario, en general, nunca me ha despertado demasiado interés. Lo imagino como una especie de inmensa estepa deforestada, situada sobre enormes acantilados en donde se despedaza una marea interminable; un territorio lleno de hombres de largas barbas y enormes mujeres rubias, que ya han olvidado completamente su pasado vikingo y ahora viven pacíficamente. Pues bien, esta película no se deshace de ninguno de esos prejuicios, aunque sí que admito que me gustó bastante.

Creo que hay pocas cosas tan terribles como el silencio entre hermanos. Me parece incomprensible aquel odio fraternal que dura demasiado tiempo y, sin embargo, a menudo lo he visto entre muchos grupos familiares. Al final, todo parece reducirse a una cuestión de orgullo y de qué tanto está uno dispuesto a sacrificar con tal de alimentar esa pasión. Por más raro que suene, los exvikingos se enfrentan también a ese mismo dilema: si una cosa muestra esta cinta, es que hay gente rematadamente terca en todos lados. Pero la experiencia parece enseñar también que las calamidades externas terminan por unir a aquellos que estaban enfrentados aparentemente para siempre. Esta película explora una forma propiamente islandesa de ese tipo de desgracia externa.


11-Les souvenirs (Los recuerdos)

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Año: 2014

País: Francia

Director: Jean-Paul Rouve

He visto pocas películas francesas contemporáneas, pero curiosamente todas ellas parecen siempre sujetarse al género que algunos, en su afán por darle definiciones a todo, llaman como “feel-good movies”. Son películas de drama-comedia que no intentan nunca sorprender al espectador o colocarlo en una situación de perplejidad o indignación. Por el contrario, los problemas de sus protagonistas se mantienen siempre en el límite de lo que representaría un verdadero impasse y los acontecimientos para resolver las situaciones se van sucediendo de modo que casi nunca se le borre al espectador la sonrisa. Ahora bien, admito que una película con esas intenciones debe ser filmada con maestría: debe haber un equilibrio muy especial entre el drama y la comedia para conseguir que la sensación de placer y de tranquilidad del público se mantenga en un nivel estable y no se convierta en aburrimiento. Pues bien, creo que esta película lo consigue completamente. Y, al mismo tiempo, menciona una o dos lecciones relevantes sobre la ansiedad en la que típicamente envolvemos a nuestras aspiraciones.


10- La patota

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Año: 2015

País: Argentina

Director: Santiago Mitre

En Argentina, por una curiosa evolución lingüística, se le llama “patota” a los grupos de pandilleros. Y el escenario inicial de esta película es el de una pandilla de una región pobre de Argentina, que hace víctima a una profesora idealista de un proyecto de escuela comunitaria. Y lo que esta película muestra es que la mayor presión ante la que un idealista se enfrenta no proviene de sus enemigos o de las personas que directamente le han hecho daño. En este caso lo que se espera de la protagonista es que responda a la agresión de la manera usual en la que una persona de su categoría social respondería. Cuando no lo hace, la película obliga directamente al espectador a emitir un juicio, si bien le da carta abierta sobre en qué dirección debe dicho juicio promulgarse: O bien se acusa a la protagonista de ser una mimada de clase acomodada, que no acaba de entender que es hora de abandonar los ideales en el momento en que uno se enfrenta a la cruda realidad; o bien se reconoce que no hay mayor prueba para demostrar la firmeza del idealista que defender el ideal frente a lo que piensan tus más cercanos amigos y familiares.


9- Il mercenario

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Año: 1968

País: Italia

Director: Sergio Corbucci

Los cineastas italianos no sólo encontraban romántico al Viejo Oeste estadounidense; también les parecía fascinante el escenario, en muchos sentidos similar, del México revolucionario. Eso les llevó a crear lo que en ocasiones se conoce como el subgénero del “Zapata western”; filmes que poseían una dimensión un poco más compleja que la típica historia del vengador o cazarrecompensas contra los bandidos. Los actos de los protagonistas, aunque a menudo seguían girando en torno a una bolsa de dólares, ahora también tenían que considerar el apoyar a una causa que sumergía a todo un país en la guerra.

En Il mercenario tenemos nuevamente como héroe a la figura del cazarrecompensas. Sin embargo, por algún extraño capricho (él personaje mismo lo admite como tal), se propone la tarea de convertir a un bandido en revolucionario. Naturalmente, su propósito no lo demuestra abiertamente y, al principio, parecería sólo importarle la recompensa, como a cualquier mercenario. De manera que su instrucción política la va ofreciendo pausadamente, mediante ejemplos sencillos pero directos que llevan al bandido a plantearse hacia dónde debería dirigir su revolver.

He de decir también que la escena del duelo final es de las mejores. Comparable a la de Sanjuro, a la de El bueno, el malo y el feo y a la de Once upon a time in the west.


8- La ley de la Frontera

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Año: 1995

País: Argentina y España

Director: Adolfo Aristarain

Se trata de una película de aventuras en la que tres personajes vagan por los bosques y montañas de la frontera entre Galicia y Portugal, sin otro propósito que el de buscar fortuna; objetivo que, por otra parte, es la única excusa que una buena historia de aventuras necesita.

La película hace un excelente trabajo delineando las personalidades de cada uno de los amigos viajeros. Tenemos al millonario portugués, que está de viaje únicamente para interrumpir su aburrimiento; sumamente farsante, indolente y bueno para las fullerías. Otro protagonista es el gallego pobre e ingenuo, que no conoce ninguna causa pero que está ansioso por encontrar alguna. Y por último, está la periodista que, como el millonario, únicamente está de viaje para sentir la sensación del peligro que involucra; aunque, a diferencia de aquel, tiene siempre una actitud de alegre libertad y seguridad. Además aparece un viejo jefe de ladrones argentino que por su curiosa y despreocupada forma de hablar es probablemente el personaje que mejor se recuerda de la película.

Algo que me gustó mucho es que esta cinta en ningún momento se anda con moralismos ridículos ni con burdos maniqueísmos. Todos los personajes son tan desalmados o bienintencionados como se esperaría de cualquiera, y la película no intenta nunca recompensar una forma de ser o de otra.


7-Sacco e Vanzetti

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Año: 1971

País: Italia

Director: Giuliano Montaldo

Ésta es la que podríamos considerar como una película de protesta. Narra un episodio de las medidas mediante las cuales el gobierno de Estados Unidos consiguió desbaratar el movimiento anarquista que los miembros de las clases bajas de ese país empezaban a abrazar a principios del siglo XX. En 1920, dos trabajadores inmigrantes italianos, conocidos miembros anarquistas, fueron sometidos a juicio bajo el cargo de asesinato, si bien apenas se contaban con pruebas para culparlos. En realidad, esos dos sujetos no eran sino chivos expiatorios que el gobierno esperaba ejecutar para alcanzar fines políticos.

La mayor parte de las escenas de la película se dan en una corte en donde el espectador puede evaluar la clase de argumentos que ofrecen cada una de las partes. Aunque, es cierto, la cinta no intenta en ningún momento colocarse en una perspectiva ajena o imparcial (lo que algunos imbéciles llaman con el nombre de “objetividad”). Lo que esta cinta se propone, más bien, es lanzar una acusación en contra del poder institucionalizado y las chapuceras medidas que emplea para alcanzar el objetivo de mantener a la población bajo control.

Si bien la película está filmada con talento, creo que lo mejor de ella es escuchar cómo la poderosa voz de Joan Baez nos mueve a la indignación.


6-Blood in, blood out (Sangre por sangre)

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Año: 1993

País: Estados Unidos

Director: Taylor Hackford

El escenario de este filme es el de los barrios chicanos de Los Angeles de los años 90, en donde las difíciles condiciones han movido a la población a mantenerse unida en lazos fraternales muy fuertes. Todas esas agrupaciones aspiran a defender una noción de identidad chicana pero, al mismo tiempo, todas se encuentran enfrentadas entre sí, persiguiendo intereses aparentemente irreconciliables. Así, el escenario con el que empieza la película es el de una lucha sin cuartel entre la pandilla de los vatos locos y la de los tres puntos. A primera vista no parece haber ninguna ideología entre lo que defiende cada bando y parecería que se están matando por motivos equivalentes que aquellos por los que se matan los ultras de los equipos de fútbol: por símbolos y colores vacíos. Sin embargo, aquí cada pandilla hace referencia a una zona empobrecida de East Los Angeles, regiones suburbanas abandonadas a su suerte, carentes de toda organización y en donde las patrullas de policía hacen sus rondines persiguiendo intereses completamente ajenos a esas comunidades. Las pandillas son, entonces, la respuesta natural de la gente que intenta dotar de un sentido de poder y seguridad a ese territorio anárquico. De manera que el conflicto entre los cholos va más allá de la mera violencia (¿catártica quizás?) que se da entre los hooligans. Sin embargo, lo que las diferentes pandillas chicanas no acaban de comprender es que todas ellas aspiran a defender una misma noción de identidad chicana y latinoamericana, y que más les convendría estar unidas. Eso es algo que los personajes descubren en la segunda mitad del filme, de nuevo, ante la adversidad externa.

Desde que estaba en la secundaria tenía interés por conocer esta película, que estaba en boca de todos mis amigos y compañeros. Qué extraño que la hubiera postergado tanto y sólo hasta el año pasado satisficiese esa curiosidad. Probablemente sospechaba que se trataba de una cinta mediocre, en donde se presenta alguna situación inicialmente transgresora que luego se cancelaba con algún moralismo desabrido. Pero qué alegría me dio descubrir que, por el contrario, ésta se trata de una muy buena película, lejana de ese tipo de lugares comunes. Ahora que lo pienso más detenidamente, ¡cuánta admiración me dan todos mis compañeros que la vieron y, movidos por ella, desearon ser cholos, “grafitear” o ser parte del sentimiento de camaradería que supone pertenecer a una pandilla latina. Pues, en efecto, si la ciudad de La Paz estuvo llena del graffitti que decía vatos locos, no fue debido a alguna influencia descerebrada, sin objetivo ni causa; sino, más bien, a esta película, cuyo propósito era abogar por una noción de identidad latinoamericana en tanto que enfrentada en contra de la ilusión del sueño americano o de la pax gringa.


5-The mission

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Año: 1986

País: Reino Unido

Director: Roland Joffe

La trama de esta película tiene lugar en 1776, año de la expulsión de los jesuitas del territorio de las colonias españolas de América. Ya para entonces, los jesuitas habían perlado todo el corazón del Amazonas (y de muchos otros territorios indígenas de América) de misiones; centros ubicados en el interior de las selvas o de los desiertos que tenían como objetivo evangelizar a los indígenas de regiones que todavía eran prácticamente inaccesibles a los europeos. Junto a la evangelización venía, naturalmente, la introducción de los indígenas a los modos de vida propiamente occidentales, con todas las ventajas tecnológicas que ello suponía.

La película aborda muchísimos temas. En primer lugar, retrata la manera en la que los misioneros convencían a los guaraníes de que formaran parte de las misiones. Luego describe la vida que se les ofrecía en esos lugares. Después narra el debate europeo sobre la humanidad de los indígenas. Y, finalmente, dedica la mayor cantidad del filme a la cuestión sobre cómo reaccionaron los jesuitas ante la orden de evacuar sus misiones y salir del territorio español.

En principio parecería que esta película presenta a las misiones bajo una luz favorable, como si ellas hubieran llevado la luz de la civilización a una tierra primitiva. Como si quisiera insistir en la enorme tragedia que significó para el progreso de la región el que la orden jesuita hubiera sido expulsada. Otra interpretación del filme podría ser, fijándose en el año en que apareció, relacionarla con las luchas revolucionarias de Centro y Sudamérica, de los años 70 y 80, en donde jugaron un papel importante los sacerdotes adeptos a la teología de la liberación; una de las fuerzas regionales que serían, finalmente, completamente derrotadas bajo el peso de la inversión estadounidense en contrarrevolucionarios.

Pero creo que hay un elemento más que esta película exhibe, quizá de manera no intencionada: lo contradictoria que es la civilización occidental; lo absurdo que resulta su comportamiento de cancelar todos sus actos mediante la política de tierra quemada. Lo que los guaraníes deberían haber pensado, luego de la destrucción de sus misiones y de la masacre de su pueblo, no es precisamente anhelar el retorno de ese modo de vida occidental que les fue arrebatado. Por el contrario, lo que de seguro consideraron en su momento es, más bien, algo como lo siguiente: “¿qué clase de tribu es ésta que un día te tiende la mano y al otro se arrepiente?  ¿Cómo es posible que sus maravillas de agricultura y salud estén atadas a propósitos oscuros cuyo fundamento está en la negación del valor de la vida? ¡Líbrenos los dioses de tener que hacer más tratos con una tribu semejante!”


4-El abrazo de la serpiente

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Año: 2015

País: Colombia

Director: Ciro Guerra

Si la anterior película estaba orientada desde la perspectiva de los misioneros europeos, ésta parte desde el punto de vista de los habitantes autóctonos del Amazonas. Y si aquella tenía lugar en el siglo XVIII, ésta está situada a principios del siglo XX y habla de un Amazonas a punto de ser conquistado, en donde la fiebre del caucho arrasa selvas y nativos por igual; es una época en la que no quedan ya sino unos pocos reductos de indígenas cuya cultura milenaria está al borde de la extinción. Además, la película presenta a las misiones, que todavía existen, bajo una luz muy diferente, si bien es cierto que ahora ellas están bajo el mando de franciscanos y no de jesuitas.

La película sigue tratándose del diálogo entre occidentales e indígenas. Pero ahora son los segundos quienes, con un orgullo desafiante, toman la palabra e intentan convencer al otro de lo valiosa y grande que fue su cultura; a pesar de que saben muy bien que su mundo está a punto de desaparecer.

Para mí, ésta fue una película maravillosa. Sin embargo, todavía la colocaría más arriba en mi lista si no hubiera sido por ese afán, que considero pretencioso, de filmarla en blanco y negro. ¡Cuántas tomas conmovedoras de paisajes verdes y azules del Amazonas se perdieron por esa maldita decisión “artistosa”!


3- Ladri di biciclette (El ladrón de bicicletas)

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Año: 1948

País: Italia

Director: Vittorio de Sica

Una película sobre un padre que intenta proveer a su familia en el entorno de privaciones crecientes de la Italia de posguerra. Hay muchas cosas que se muestran aquí con una sencillez que esconde gran maestría por parte del director: se habla de la pobreza, de la relación padre e hijo que se da en esa circunstancia, del sentimiento de observar, a lo lejos, cómo los ricos se atascan en el restaurante. También se muestra esa sensación de sinsabor que padece el niño cuando se da cuenta de que su idealizado padre cae en el pecaminoso camino que él mismo venía condenando. O, desde otra perspectiva, se habla de lo injusto que es el mundo cuando todos hacen fechorías y uno, en el momento en el que siquiera se plantea cometerlas, es agarrado con las manos en la masa de la manera más ridícula.

Hay algo en la iluminación de las películas italianas de finales de los 40 y principios de los 50 que me atrae bastante. Siempre son tan claras, como si el sol impactara sobre el escenario de lleno. Quizá justo por ese detalle las siento tan próximas, pues probablemente me recuerdan al cielo despejado de mi ciudad natal. Por supuesto, hay más motivos por los cuales se sienten estas películas tan naturales. Son filmaciones que, en lugar de emplear actores profesionales, usaban gente común y corriente, que desconocía de actuación y simplemente hablaba y se comportaba de la misma manera que en su vida diaria. De manera que no hay aquí de esos simbolismos o tonterías pretenciosas en las que suelen ahogarse los directores actuales. Es una historia simple contada de manera directa y el espacio que nos ofrece para las interpretaciones no involucra otra cosa más que el símbolo de la vida cotidiana misma.


2- Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento)

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Año: 1984

País: Japón

Director: Hayao Miyazaki

Hay un motivo especial por el que esta película me gustó tanto. Cuando la veía, imaginaba a su protagonista como una especie de reencarnación de un personaje de una serie que Miyazaki dirigió a finales de los años 70. Aquella serie, Mirai Shōnen Konan (Conan, el niño del futuro) trataba temas similares a los expuestos en esta película, si bien de una manera más extensa. Entre los muchos y memorables personajes de aquella serie estaba Monsley, una mujer de gran carácter de la que me quedé prendado. Pues bien, Monsley y Nausicaä son casi idénticas físicamente y comparten muchas cualidades, si bien Monsley era una mujer que tenía más edad en aquella serie con respecto a su reencarnación aquí. En todo caso, me gustó mucho ver toda una película en la que el protagonismo fuera completamente de ella. Bueno, quizás se trata de una ilusión en la que yo mismo me auto-sugestiono pero ¿a quién diablos le importa?

Creo que los japoneses son maestros de las escatologías (en todos los sentidos). Son altamente evocadoras y dramáticas las ideas que tienen sobre el destino final de un mundo altamente tecnológico que se encuentra unido a las ambiciones humanas. Y el mejor sitio en donde presentan sus pensamientos al respecto (seguramente influidos por la película Fantasia, que también mostraba su propio escenario de destrucción final) es en el género de videojuegos RPG y en el anime. Esta película toma una ruta peculiar en su historia de catástrofe y habla un poco sobre el camino que podría tomar el mundo de las criaturas vivientes el día que la fuerza impetuosa de la naturaleza recupere por completo el imperio de la vida que le fue arrebatado por las manos del hombre.


1- Queimada

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Año: 1969

País: Italia

Director: Gillo Pontecorvo

En un top dominado claramente por películas italianas era natural que la primera de la lista fuera también italiana ¡Grande que fue Italia para el cine durante la época que va de 1945 (Roma, città aperta) a 1988 (Cinema paradiso)!

Tengo que decir también que tres lugares del top 5 de esta lista están ocupados por películas que abordan una misma temática que me fascina: el enfrentamiento que se da entre la civilización occidental frente a culturas propiamente americanas, sean éstas indígenas y autóctonas, o sean éstas mestizas (en ese sentido, incluso la película que coloqué en el número 6 de la lista es un ejemplo de esa confrontación).

Esta película nos sitúa en una colonia española en decadencia. Un territorio en la que sus ingenios y monocultivos dependen del trabajo de esclavos negros. Los indígenas que habitaron esa región hace mucho tiempo que fueron diezmados. Pero los tiempos han cambiado y las colonias de esclavos se muestran como ineficientes con respecto a otro tipo de economías capitalistas. Así que, instigada por potencias extranjeras, el país se somete a un proceso democrático que, por un instante, parece darle a los esclavos el control. Pero todos estos cambios y sus consecuencias fueron fríamente premeditadas por potencias ultramarinas que de ninguna manera actúan obedeciendo impulsos altruistas. Como lo resume el protagonista de la película, se espera que un esclavista asuma el cuidado de sus esclavos. Un capitalista, por el contrario, tan sólo paga por el servicio de la mano de obra y que el diablo haga después lo que quiera con el trabajador. Ésa se presenta como la clave del progreso capitalista que las economías occidentales tienen que adoptar.

El tema de esta cinta lo considero muy similar al presentado en The mission; sin embargo, ocupa el primer lugar de mi lista puesto que consigue la increíble hazaña de desplegar de manera explícita el planteamiento que, en The mission, sólo aparecía como una consecuencia no intencional por parte de sus creadores. Los negros revolucionarios que consiguen el poder son capaces de darse cuenta de que el sistema que ahora parecen presidir opera obedeciendo reglas absurdas. Los occidentales y sus sistemas económicos, en su afán por la eficiencia, no parecen conocer otra política que la tierra quemada: incendiarlo todo y, de las cenizas, reconstruir las cosas desde cero. Ésa es la manera racional de obrar. Sin embargo, y de eso se dan plena cuenta los ex-esclavos (y el espectador con ellos), lo racional no es lo correcto.

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4 comentarios en “TOP 20 películas vistas en el 2016

  1. Gracias por las recomendaciones. Tal vez me robe tu idea y haga una lista parecida este año. O tal vez no. Tengo un gusto bastante “común” en cuanto a películas. Desgraciadamente muchas películas “artistosas” me han inculcado el miedo a ver películas de, digamos, guatemala o de Clint Eastwoods de piel extremadamente brillante y sudorosa.

    Me sorprende que hayas visto Dune. Yo leí el primer libro y me pareció excelente en casi todos los aspectos. La razón por la cual no he querido ver la película es que he escuchado que es bastante mala y temo que me arruine el buen recuerdo que tengo del libro. Tal vez si lees el libro ya no vas a disfrutarlo tanto debido a esta película. Hace poco escuché que van a hacer una nueva adaptación al cine y tengo muchas esperanzas en ella.

    Por cierto, nunca vayas a Nueva York si quieres mantener viva esa imagen que tienes de ella.

    • Sí, el cine, como cualquier arte, está lleno de esa mierda pretenciosa, un tipo de películas que les encanta a aquellos que gustan de andar faroleando de haber comprendido alguna tontería filmada en clave. Pero también pasa eso con el Hollywood que proyectan en los cinépolis. Hollywood también tiene su mierda pretenciosa, por ejemplo, en las películas de ese tal Shyamalan, o en las películas que año con año ganan el oscar. La mayoría de las veces son tonterías incomprensibles que algunos idiotas creen que sirven para sentirse superiores a los demás. Así que esa ridícula aspiración de algunos directores la vas a encontrar en todos lados, sea en Estados Unidos, sea en Guatemala (Nota aparte, la película de Guatemala de la que hablo aquí no me parece un ejemplo de ese tipo de películas intragables o indescifrables). De igual manera, es obvio que no todas las películas que se hacen afuera de Estados Unidos son pretenciosas. De hecho, creo que las películas pretenciosas son una minoría de la que se habla mucho simplemente porque la porquería es como imán para atraer la atención.

      Eso sí, quizá mucho del cine que se hace afuera de Hollywood está filmado con un ritmo diferente. Como en todo arte, es cuestión de darle una oportunidad y acostumbrarse.

      Y sobre la película de Dune, no creo que afecte en nada la experiencia que tuviste con el libro. No es una película entera; es más bien como si vieras un trailer muy largo. Se trata de una producción tan censurada y editada que simplemente la considero como incompleta. Creo que ésa es la razón por la que quiero conseguirme el libro: para adentrarme en ese mundo del que sólo se empezaba a hablar en esa película.

      • Si, voy a darle una oportunidad a películas menos conocidas, mínimo prometo ver Nausicaa. Definitivamente, no es como si Hollywood nunca me hubiera defraudado.

        Tal vez deberías hacer una lista de las peores películas que viste este año.

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